Colección
Arte Latino–
americano

Un acervo único en el mundo,
que reúne las principales tendencias
y movimientos que caracterizan al arte
de la región en todos los soportes.

Introducción

Malba es un museo dedicado al arte latinoamericano del siglo XX que posee un acervo único en el mundo y que desde sus orígenes se ocupó de las principales tendencias y movimientos que caracterizan al arte de la región en todos los soportes. Reúne pinturas, esculturas, dibujos, grabados, collages, fotografías, instalaciones y objetos de artistas desde México y el Caribe hasta la Argentina.

Desde su apertura al público en 2001, uno de sus principales objetivos ha sido la exhibición permanente de la mayor parte de su patrimonio, proponiendo a los visitantes renovadas lecturas y distintas aproximaciones a la historia del arte de Latinoamérica.

Desde las primeras modernidades y vanguardias hasta las producciones más contemporáneas de las últimas décadas del siglo XX, la presentación de la colección varía de acuerdo a la dinámica del Programa Anual de Adquisiciones y a las generosas donaciones recibidas tanto de artistas como de familias de artistas y particulares.

ALEJANDRO XUL SOLAR
Pareja, 1923
© Derechos reservados
Fundación Pan Klub - Museo Xul Solar

Modernidad, Vanguardia

Desde principios del siglo XX, los artistas latinoamericanos viajan a Europa y toman contacto con los movimientos de vanguardia. Desarrollan propuestas relacionadas con el expresionismo, el cubismo y el futurismo, participando activamente de sus circuitos de exposiciones y debates, en ciudades como París, Madrid, Barcelona, Berlín, Florencia y Milán. Sus obras y manifiestos insisten sobre la autonomía del arte y se alejan de la pintura y la escultura como modos de representación de la realidad. Durante los años 20, muchos de ellos regresan a sus países de origen y como protagonistas de las escenas nacionales, lideran las distintas batallas entre lo tradicional y “lo nuevo”. El Neocriollo de Xul Solar (Buenos Aires), la Antropofagia de Tarsila do Amaral (San Pablo), así como el Vibracionismo y el Universalismo constructivo de Rafael Barradas y Joaquín Torres-García (Montevideo), son sólo ejemplos clave de aquellas vanguardias propias de las modernidades regionales latinoamericanas.

EMILIO PETTORUTI
La canción del pueblo, 1927
© Derechos Reservados
Fundación Pettoruti www.pettoruti.com

Arte y política, Fotografía moderna

En los años 30 se afirma el eje arte/política como campo de acción, a nivel regional e internacional. Desde el muralismo mexicano de Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros hasta las pinturas de Antonio Berni (Argentina) y Candido Portinari (Brasil), los pintores discuten y proponen diferentes maneras de relación entre las manifestaciones artísticas y sus contextos sociales. Entre el trabajo colectivo de los artistas, la militancia y el debate de programas, aparecen variantes del Realismo social, el Nativismo, el Nuevo realismo y el Arte crítico, sobre todo en la pintura y en las artes gráficas. La fotografía, el cine y los sucesos de la prensa contemporánea sobre la inestabilidad política, son las fuentes documentales para la producción plástica, en la que aparecen imágenes de obreros rurales y urbanos, en formatos pictóricos monumentales, como los personajes de una marcha por reclamos sociales o en celebraciones de tradición popular. A estas representaciones cargadas de localismos se le suma la incorporación de materiales y recursos expresivos y técnicos que aportan una dimensión social a las manifestaciones, tales como la elección de la arpillera tomada de las bolsas de papas como soporte, o la opción de la técnica de pintura al temple para producir un efecto de pintura mural. El medio fotográfico se consolida y documenta el dinamismo de la vida moderna, el crecimiento urbano y la fotografía como disciplina queda integrada a al proceso de renovación artística local.

ANTONIO BERNI
Manifestación, 1934

Surrealismos

Desde la década del 20 en Latinoamérica, numerosos artistas investigan el mundo de lo mágico y lo fantástico creando imágenes relacionadas en parte con vivencias autobiográficas o creencias religiosas y, en algunos casos, vinculadas con la difusión internacional del surrealismo. Dicho movimiento literario y plástico exploraba el campo de la energía psíquica y buscaba evadir la actividad consciente mediante prácticas como la asociación libre y el automatismo psíquico y el uso de factores como el azar y lo aleatorio. Para estimular la emergencia del inconsciente recurre a técnicas que convocan efectos inusitados y procesos incontrolables como el fotomontaje, el collage, el frottage, el decoupage o el esgrafiado. Antonio Berni y, Maria Martins y Cicero Dias, Roberto Matta, Frida Kahlo, Agustín Lazo y Wifredo Lam muestran en sus obras la diversidad de aquellos planteos y un lugar de encuentro de las tradiciones populares con los repertorios del arte culto que circulan en los países de la región.

ROBERTO MATTA
The Disasters of Mysticism
[Los desastres del misticismo]
o La decadencia del misticismo, 1942

Concretos, Opticos Cinéticos, Neoconcretos

Las tendencias abstractas y no figurativas forman parte de la historia del arte internacional desde inicios del siglo XX. A partir de la idea básica de terminar con el principio ilusionista de la pintura y con el concepto del cuadro como “ventana del mundo”, distintas alternativas buscan liberar a las artes plásticas de la representación de la realidad. A mediados de los años 40, Buenos Aires se convierte en uno de los centros más activos del arte concreto y sus variaciones. Madí, Asociación Arte Concreto Invención y Perceptismo, son los tres grupos que formados, entre otros, por argentinos como Gyula Kosice y Enio Iommi, y uruguayos como Rhod Rothfuss y Carmelo Arden Quin, aportan nuevas vías de reflexión y producción al debate mundial del concretismo. Con los elementos materiales del lenguaje visual: formas, colores, líneas y planos, sus trabajos reemplazan el marco octogonal tradicional por contornos irregulares y recortados; investigan la función de las capas de color y el sistema de estructuras en serie; inventan “esculturas” articuladas y transformables; recurren a materiales industriales como esmaltes, vidrio y baquelita, y fabrican pinturas-objeto montadas sobre las paredes y móviles colgando en el espacio. En los años 50, Alejandro Otero pinta su serie de abstracciones blancas con líneas cromáticas en Caracas, y los brasileños Hélio Oiticica y Lygia Clark convierten el color y la luz en cuerpos que se materializan ante el espectador. En la misma década y la siguiente, Julio Le Parc y Abraham Palatnik construyen artefactos que investigan la experiencia física y perceptiva de la mirada, agregando el concepto del movimiento real o ilusorio y la participación activa del espectador, ambas innovaciones del arte óptico y cinético.

RHOD ROTHFUSS
3 círculos rojos, 1948

Informalismos, Arte destructivo, Pop, Objetos,
Arte conceptual, Minimalismo, Otras figuraciones

Desde fines de los años 50, a ritmo acelerado, el mundo de las artes visuales vive el cierre de la modernidad y el inicio del arte contemporáneo. La crítica y los artistas hablan de “la muerte de la pintura” y del “fin del arte”. Con el cambio de época la pintura y la escultura dejan de reinar sobre las “bellas artes”. Aparecen disciplinas, medios y soportes nuevos: objetos, construcciones, perfomances, bricollages, ensamblados, happenings, instalaciones, videos, ambientaciones, intervenciones y recorridos. Las “obras de arte” dejan de parecer “obras de arte”: los artistas trabajan sobre elementos cotidianos, industriales, desechos, textos y palabras; realizan acciones urbanas o en la naturaleza, registros fotográficos y fílmicos, proponen experiencias corporales y sensoriales, ideas y conceptos en proceso se suceden y combinan con poéticas neofigurativas, pop, minimalistas, el Neosurrealismo y la Geometría sensible, etc. La discusión se radicaliza sobre temas como la desmaterialización de la obra de arte y las relaciones entre arte y política. La escena latinoamericana muestra su propia agenda de producción ligada, por momentos a las neovanguardias del internacionalismo, pero siempre en tensión y compromiso con sus marcos distintivos de referencia tanto culturales como históricos y sociales. Antonio Berni, Jorge de la Vega, Antonio Dias, Fernando Botero, Nelson Leirner, Rubens Gerchman, Mira Schendel, León Ferrari, Hélio Oiticica y Lygia Clark, son exponentes de estas nuevas tendencias.

JORGE DE LA VEGA
Pruebe de nuevo, 1963

Conceptualismo,s Hiperrealismo, Nueva imagen

Las dos últimas décadas del siglo aparecen marcadas por la democratización del campo artístico desterrando el principio de lo “artísticamente correcto”. Sin modelos superiores ni saberes autorizados reglamentando y administrando el territorio, las producciones de los artistas contemporáneos circulan con rapidez y multiplican posibilidades, contaminaciones y lenguajes. El arte conceptual había desmantelado la idea de la obra de arte como presencia material y como mercancía. Materiales industriales, modelos científicos, reflexiones de áreas como el psicoanálisis, la lingüística, los estudios culturales y los códigos de comunicación impuestos por los medios masivos, todos atraviesan el mundo de las artes visuales. Las obras de Antonio Seguí, León Ferrari, Liliana Porter, Víctor Grippo, Waltercio Caldas y Gego, son algunos de esos casos. Desde principios de los años 80 el regreso a la pintura como tendencia internacional impacta sobre la escena artística. La Transvanguardia italiana, el Bad Painting en los Estados Unidos, la Neofiguración en los países latinos y la Nueva imagen en la Argentina, ponen en circulación grandes telas cubiertas de rostros e imágenes pictóricas que combinan códigos del cine, el teatro, la literatura, la música, la danza, los grafitis urbanos y los estudios de género. Esta “resurrección” de la pintura encuentra dos actores clave en el argentino Guillermo Kuitca y el cubano José Bedia.

VÍCTOR GRIPPO
La comida del artista, 1991
© Nidia Mabel Olmos de Grippo