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Programación octubre 2012
CICLO
Fantasmas
Durante todo el mes
Dentro del cine fantástico, las obras importantes dedicadas a los espectros no son tan abundantes como podría creerse. Además, especialmente durante el cine clásico, muchos de los mejores films de fantasmas no tuvieron una intención terrorífica sino que bordean el melodrama romántico, o se sumergen directamente en la comedia. Durante octubre, malba.cine recorre el vasto más allá que habitan diversas clases de fantasmas, en films de realizadores como Tim Burton, Riccardo Freda, Stuart Gordon, Alexander Hall, Kiyoshi Kurosawa, Joseph L. Mankiewicz, Archie Mayo, Hideo Nakata y Sam Raimi, entre otros.
Sábado 13
24:00
El fantasma de la Ópera (The Phantom of the Opera, EUA-1925) de Rupert Julian, c/Lon Chaney, Mary Philbin, Norman Kerry, John Sainpolis. 90 aprox.
Esta versión de la novela de Gaston Leroux fue uno de los vehículos más importantes para Chaney y también una de las producciones más caras de su tiempo, gracias a la minuciosa reconstrucción de los interiores de la ópera de París. Aunque se lo cree un film de terror, se trata más bien de un melodrama con un triángulo amoroso, uno de cuyos vértices resulta ser un monstruo. Se exhibirá con acompañamiento de música en vivo compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra, que coordina y dirige Fernando Kabusacki.
Viernes 12
24:00
El gato y el canario (The Cat and the Canary, EUA-1926) de Paul Leni. c/Creighton Hale, Laura La Plante, Tully Marshall, Gertrude Astor. 85’ aprox.
Fue la primera (y por lejos la mejor) de las varias adaptaciones de una obra teatral de John Willard, que estableció algunos de los lugares comunes más reiterados después en ficciones de todo tipo: por un lado, un hombre muere y deja extrañas condiciones para repartir su herencia; por otro, sus herederos, que apenas se conocen entre sí, se ven obligados a pasar la noche en una mansión antigua y prácticamente abandonada. Leni inventó toda clase de recursos formales para apartarse de la propuesta teatral inicial y logró uno de los films más vanguardistas que produjo la industria norteamericana. Se exhibirá con acompañamiento de música en vivo compuesta e interpretada por la National Film Chamber Orchestra, que coordina y dirige Fernando Kabusacki.
Domingo 28
22:00
Vampyr (Vampyr – Der Traum des Allan Grey, Alemania / Francia-1932) de Carl T. Dreyer, c/Julian West, Maurice Schutz, Rena Mandel, Sybille Schmitz. 75’.
De las muchas miradas sobre el vampirismo que ha dado la historia del cine, Vampyr debe ser la más extraña, en el sentido más riguroso del término. Se supone que está inspirada en textos de Sheridan Le Fanu, pero su relación con ellos es la misma que podría tener con algunos relatos de Lovecraft o de Edgar Allan Poe. El carácter de fantasía onírica que Dreyer quiso para su film fue logrado en parte por la escenografía de Hermann Warm y la fotografía de Rudolph Maté (que ya habían colaborado con el realizador en La pasión de Juana de Arco). Pero también por la música de Wolfgang Séller, adelantada a su tiempo en materia de sugestión sonora, y por el hecho de que se trata de una obra que ignora las limitaciones formales del primer cine sonoro y recupera la riqueza atmosférica y la libertad expresiva del último cine mudo.
Viernes 5
18:00
No soy supersticioso (Non sono superstizioso... ma!, Italia-1944) de Carlo L. Bragaglia, c/Vittorio de Sica, Armando Falconi, Maria Mercader, Carla Candiani, Aroldo Tieri, Guglielmo Barnabo. 80’ aprox.
Un barón a punto de casarse tiene la oportunidad de anticipar su propia muerte y asistir a la reacción que la noticia produce en su novia y en sus futuros suegros. Lo que hace al respecto produce una serie de catástrofes que se resolverán con alguna ayuda sobrenatural. Esta es una típica comedia “de teléfonos blancos”, equivalente itálico de la screwball comedy norteamericana, con mucho de su misma frescura e ingenio. Antes y después de transformarse en un referente del cine neorrealista, De Sica protagonizó decenas de estos films, siempre con su particular carisma. Hay que verlo aquí, a sus anchas, deambulando entre los vivos como un elegante fantasma de smoking con alitas.
Jueves 11
18:00
Más allá de la vida (Beyond Tomorrow, EUA-1940) de Edward Sutherland, c/Harry Carey, C. Aubrey Smith, Charles Winninger, Alex Melesh, Maria Ouspenskaya, Helen Vinson, Rod LaRocque. 84’.
Una historia de Navidad protagonizada por tres de los más grandes actores de carácter que dio Hollywood: Winninger, Smith y el inmenso Harry Carey vuelven de la muerte para ayudar y proteger a una pareja joven que ellos han contribuido a formar en vida. Tiene algunos puntos de contacto con ¡Qué bello es vivir! pero fue producida varios años antes por Lee Garmes, un director de fotografía de larguísima y prestigiosa trayectoria. Un verdadero Misterio de la Filmoteca.
Viernes 19
18:00
La dama y el fantasma (The Ghost and Mrs. Muir, EUA-1947) de Joseph L. Mankiewicz, c/Gene Tierney, Rex Harrison, George Sanders, Edna Best, Vanessa Brown, Anna Lee, Natalie Wood. 104’.
El cine con fantasmas, espectros, y aparecidos ha dado a lo largo de la historia varias películas muy atrayentes. La dama y el fantasma es una película de Joseph Mankiewicz- en este caso no con guión suyo sino de Philip Dunne- que aparentemente escapa a las premisas más características de su cine ya que incursiona en un terreno decididamente romántico, un terreno para el que el director no parecía tener el temperamento más adecuado. Sin embargo, esta historia de una viuda que se enamora del espíritu de un marino tiene momentos muy logrados a nivel de atmósfera y cuenta con dos intérpretes superlativos, Gene Tierney y Rex Harrison, además del plus de una excelente partitura musical del gran Bernard Herrmann.
Texto de Jorge García.
Jueves 4
18:00
Un hombre fenómeno (Wonder Man, EUA-1945) de H. Bruce Humberstone, c/Danny Kaye, Virginia Mayo, Vera-Ellen, Donald Woods, S. Z. Sakall, Allen Jenkins, Ed Brophy, Steve Cochran. 98’.
El viejo truco del Hermano Gemelo: Danny Kaye interpreta a un hombre tímido que se ve de pronto interpelado por el espectro de su extrovertido gemelo, asesinado por una banda de gángsters. El protagonista es así literalmente empujado a una intriga que no comprende, lo que brinda amplias oportunidades para que Kaye despliegue todo su talento cómico, para el que el productor Sam Goldwyn exhiba generosamente a sus Goldwyn Girls y para que Vera Ellen se luzca como la gran bailarina que fue.
Viernes 12
18:00
El difunto protesta (Here Comes Mr. Jordan, EUA-1941) de Alexander Hall, c/Robert Montgomery, Evelyn Keyes, Claude Rains, Rita Johnson, Edward Everett Horton, James Gleason. 93’.
A causa de un error del más allá, un boxeador muere antes de tiempo y exige que le devuelvan los años de vida que le quitaron. El resultado es una muy divertida combinación de fantasía y comedia romántica, característica del mejor Hollywood no sólo por su manufactura sino también por su reparto, repleto de rostros tan eficaces como familiares. Hoy nadie recuerda al director Alexander Hall, omisión inexplicable porque fue responsable de varias comedias imperdibles durante este período. El film tuvo una exitosa remake con Warren Beatty titulada El cielo puede esperar.
Domingo 7
22:00
El retrato de Jennie (Portrait of Jennie, EUA-1948) de William Dieterle, c/Jennifer Jones, joseph Cotten, Ethel Barrymore, Lillian Gish, Cecil Kellaway, Henry Hull. 86’.
Un pintor disconforme con su propia obra encuentra inspiración en una niña que se le aparece de forma misteriosa en un parque. La chica habla sobre el pasado como si fuera presente y viste a la moda de principios de siglo. Subyugado, el pintor recupera el interés en el arte y decide retratarla. Evitando explicaciones innecesarias, el film nunca aclara si Jennie es un fantasma o no. En todo caso, es alguien del pasado signado por un destino trágico que el pintor descubre y procura cambiar. Si hay un equivalente norteamericano de esa rara mezcla de romanticismo y expresionismo que se dio en el cine alemán de la década del 20, ese es El retrato de Jennie. Su director William Dieterle había participado como actor y director de ese período y se lo puede ver en Fausto (Murnau, 1926) que es el mayor exponente del romanticismo que haya logrado el cine.
Jueves 18
18:00
El hombre que amé (Argentina-1947) de Alberto de Zavalia, c/Pedro López Lagar, Delia Garcés, Olga Casares Pearson, Jorge Salcedo. 87’.
Esta curiosa variación sobre el tema de Fausto es uno de los poquísimos films auténticamente fantásticos de la historia del cine argentino y también uno de los menos vistos. Alguna vez alguien deberá investigar seriamente cómo fue que, para hacerlo, Zavalía se interesó en un relato del escritor Guy Endore, un personaje extraordinario que sucesivamente fue un gran novelista del género fantástico (El hombre lobo de París), guionista del mítico director Tod Browning (en La marca del vampiro y Muñecos infernales), nominado al Oscar por También somos seres humanos (Wellman-1945), testaferro de Dalton Trumbo y víctima de la lista negra por haber pertenecido al Partido Comunista.
Jueves 11
24:00
Amantes de ultratumba (Amanti d’oltretomba, Italia-1965) de Allan Grünewald (seudónimo de Mario Caiano, c/Barbara Steele, Paul Muller, Helga Liné, Lawrence Clift, Rik Battaglia. 110’. Doblada al castellano.
Una mujer infiel, torturada y asesinada por su marido, regresa de la tumba para vengarse. Según los especialistas, este film (imposible de ver en Buenos Aires hasta ahora) es una verdadera summa del género: espectros vengadores, torturas con resonancias sadomasoquistas, el tema del doble, vampirismo, un villano que se dedica a la ciencia, pesadillas surrealistas y una mansión siniestra que juega un rol protagónico en el ejercicio del mal. Fue uno de los mejores trabajos de Barbara Steele, que interpreta dos papeles en el film. La copia que se exhibe fue cuidadosamente restaurada por la Filmoteca Buenos Aires para restituirle todos los cortes realizados en su momento por la censura.
Viernes 26
24:00
El espectro (Lo spettro, Italia-1963) de Riccardo Freda, c/Barbara Steele, Peter Baldwin, Elio Jota, Harriet Medin. 97’.
El film representa, según las intenciones de Freda, una especie de secuela de El horrible secreto el Dr. Hichcock, un film suyo de 1962. Otra vez el protagonista se llama Hichcock, aunque lo interpreta otro actor, el italiano Elio Jota (alias Leonard G. Elliot). Este personaje es también un médico y también inventa una pócima peculiar, que en este caso es capaz de curar una seria forma de parálisis de la que sufre. Barbara Steele tiene un papel más complejo y extenso que en la película anterior, el de mujer adúltera que procura la muerte de su marido. La actriz volvería a interpretar variantes de ese rol en varias otras películas del período.
Jueves 25
18:00
Sangre en el faro (Tormented, EUA-1960) de Bert I. Gordon, c/Richard Carlson, Susan Gordon, Juli Reding, Lugene Sanders, Joe Turkel. 75’.
El realizador Bert I. Gordon se especializó en films de ciencia-ficción con alteraciones de tamaño, como sus clásicos War of the Colossal Beast o Attack of the Puppet People. En ese contexto su film Sangre en el faro es bastante inusual, porque se aparta de esa línea para desarrollar una historia de fantasmas a partir de una premisa policial. La ex amante de un hombre se mata en un accidente que él pudo haber evitado y a los remordimientos posteriores se le suma la reaparición espectral de la mujer muerta. El resultado es interesante y tiene un final genuinamente sorprendente.
Jueves 18
24:00
Hasta la muerte (Till Death, EUA-1978) de Walter Stocker, c/Keith Atkinson, Belinda Balaski, Marshall Reed, Bert Freed. 80’. Doblada al castellano.
Una pareja de recién casados sufre un accidente en una noche oscura, quizá debido a una presencia sobrenatural. Lo que sucede después no debe revelarse, pero es sorprendente el grado de sugestión e intriga que el realizador obtiene con una evidente modestia de recursos (el film se rodó en 1974 pero no pudo terminarse hasta cuatro años después) y apenas dos actores importantes. La dama es Belinda Balaski, actriz recurrente del realizador Joe Dante. En Argentina el film sólo se conoció a través del recordado ciclo de TV Viaje a lo inesperado.
Jueves 4
24:00
La niebla (The Fog, EUA-1980) de John Carpenter, c/Adrienne Barbeau, Jamie Lee Curtis, Hal Holbrook, Janet Leigh, John Houseman. 91’.
Un tranquilo pueblo costero sirve de marco a esta actualización de las clásicas historias de fantasmas, cuya influencia reconoce en un prólogo a cargo del veterano actor y productor John Houseman. Con su característico sentido de la síntesis y precisión narrativa, Carpenter crea una obra maestra de atmósfera y amenaza, utilizando elementos simples y cotidianos. Se verá, como corresponde, en formato original de pantalla ancha.
Domingo 21
22:00
La fortaleza maldita (The Keep, Gran Bretaña-1983) de Michael Mann, c/Scott Glenn, Ian McKellen, Alberta Watson, Jürgen Prochnow, Gabriel Byrne. 95’.
La teoría del autor se enfrenta con un escollo difícil de superar en esta película, la primera de Michael Mann, segundos antes de consagrarse (televisivamente hablando) con la serie División Miami. La trama de La fortaleza maldita mezcla soldados nazis, un monstruo o demonio, fuerzas paranormales, y muchos actores conocidos peleando contra un guión totalmente desvinculados de las tramas mayormente policiales que Mann pergeñó después y pasaron varios años hasta que se transformó en el director que todos conocemos. Las pistas, muy ocultas, ya estaban en esta película, que extrañamente aún no fue editada en DVD en ninguna parte del mundo.
Sábado 27
24:00
From Beyond (EUA, 1986) de Stuart Gordon, c/Jeffrey Combs, Barbara Crampton, Ken Foree, Ted Sorel, Carolyn Purdy-Gordon. 85’.
Después de Re-Animator y con ese espléndido latiguillo, “basado en un relato de H. P. Lovecraft”, la dupla Yuzna-Gordon volvió a convocar a varios cómplices de la aventura anterior con el fin de ejecutar otra rendición al maestro literario del género. El doctor Pretorius investiga el contacto con otras dimensiones a través de la estimulación de la glándula pineal. Por supuesto, lo que los espera del otro lado dista mucho de ser un alegre descubrimiento. Una película escalofriante, en la que el sentido de lo erótico flirtea de manera peligrosa con la oscuridad. Lejos de ser simplemente un efectivo film de bajo presupuesto, el resultado sorprende cada vez más con el paso del tiempo, quizás por tener todos los elementos –muchas veces inexplicables- que se necesitan para transformarse en objeto de culto. Texto de Marcelo Alderete y Pablo Conde.
Jueves 25
24:00
Beetlejuice, el Super Fantasma (Beetlejuice, EUA-1988) de Tim Burton, c/ Alec Baldwin, Geena Davis, Michael Keaton, Catherine O'Hara, Jeffrey Jones, Winona Ryder. 92´.
Cuando “el señor doctor Ralph” (un tal Voltaire) escribió el cartoonesco Cándido, o el optimismo fue para satirizar la premisa de Leibniz: “todo en este mundo ocurre para el bien de la humanidad”. Voltaire, al igual que el señor doctor (por actitud, corazón y creaciones de científico loco) Tim Burton, es ateo de un bienestar “contra viento y marea” pero fundamentalista de cierta justicia universal, basada en la razón y el instinto. Un ideal que Burton (un Edgar Allan Poe dulce y melancólico, salido de un Topolino) extiende hacía ultratumba, junto con su contraparte: la burocracia. En ese doble filo, la joya de la corona de Burton es un fantasma mitad Guasón mitad Bugs Bunny, llamado Beetlejuice (el gran Michael Keaton, actuando a 300 km. por segundo). Un personaje, que sin manos de tijera o novias cadavéricas y con sólo 17 minutos de presencia en el film, se transformó en la representación más salvaje y optimista de las inconscientes pulsiones de la sociedad americana, los cuentos de hadas y el dibujo animado. Beetle Juice, el súper fantasma, o el Ello burtoniano. Texto de Juan Manuel Domínguez.
Viernes 5
24:00
El ejército de las tinieblas (Army of Darkness, EUA-1992), de Sam Raimi, c/Bruce Campbell, Embeth Davidtz, Bridget Fonda y Ted Raimi. 88´.
Se inicia donde termina Noche alucinante pero, a diferencia de ese film, no regresa sobre los pasos del original sino que reformula la propuesta y traslada a Ash a la antigüedad, donde se potencian sus rasgos de superhéroe delirante. El resultado es uno de los cócteles más extraños y divertidos del cine fantástico, donde conviven con alegría la influencia del gore, de Ray Harryhausen y de los Tres Chiflados, entre otras. Fue la tercera -y hasta ahora última- parte de la saga que Raimi inició con Diabólico.
Viernes 19
24:00
The Ring – El círculo (Ringu, Japón-1998) de Hideo Nakata, c/Nanako Matsushima, Miki Nakatani, Yûko Takeuchi, Hitomi Satô. 96’.
La muerte sucesiva de varios adolescentes que han compartido unos días de vacaciones revela la existencia de una maldición terrible, que se descubre poco a poco hasta uno de los finales más genuinamente aterradores del cine reciente. El film es infinitamente superior a las secuelas y copias que originó después, en parte gracias a una construcción narrativa clásica pero también a su prodigioso diseño sonoro. Dos razones justifican su inclusión en este ciclo: en primer lugar su culminación podría interpretarse como una versión diabólica (y contemporánea) de La rosa púrpura del Cairo; en segundo lugar el film incluye al primer espectro de la historia del cine que se dedica a hacer video-arte.
Viernes 26
18:00
Satanás y yo (Angel on My Shoulder, EUA-1946) de Archie Mayo, c/Paul Muni, Anne Baxter, Claude Rains, George Cleveland, Onslow Stevens. 101’.
Se trata de una rarísima combinación entre Scarface y El difunto protesta. El gran Paul Muni, protagonista de Scarface, interpreta aquí a un gángster de características muy similares que es asesinado en los primeros minutos por un traidor. Una vez en el infierno, el gángster es elegido por el demonio para regresar a la Tierra y encarnar en el cuerpo de un juez que combate el mal, para hacerle cambiar de política. Claude Rains, que había interpretado al administrador del Cielo en El difunto protesta, hace aquí del administrador del Averno con la misma elegancia y solvencia. Y la bellísima Anne Baxter es, de manera muy verosímil, el motivo por el cual las cosas no salen como el demonio quiere.
Sábado 20
24:00
El ojo (Gin gwai, Hong Kong / Singapur-2002) de Oxide Pang Chun y Danny Pang, c/Angelica Lee, Lawrence Chou, Jinda Duangtoy, Yut Lai So, Candy Lo, Edmund Chen. 99’.
El tema de los trasplantes que conservan la memoria del donante ha sido explotado varias veces en el cine (The beast with five fingers, The hands of Orlac, The hand). En El ojo, segundo largometraje de los hermanos Pang, una violinista ciega recibe un transplante de cornea que le devuelve la visión, pero con un desagradable efecto secundario: también ve fantasmas, algunos de los cuales son muy poco amigables, por lo que investigará de donde procede su cornea. Más allá de su exótico origen (se trata de una coproducción entre Hong Kong y Singapur) y de tener elementos que la relacionan con la cultura y la religión china, El ojo tiene mucho en común con la nueva generación de películas de terror japonesas, y al igual que The ring, Dark waters y otros éxitos del cine japonés, también tuvo su (poco feliz) remake norteamericana. Muchos la vimos en DVD, pero en 35mm es aún más escalofriante
Domingo 14
22:00
After Life (Wandafuru raifu, Japón-1998) de Hirokazu Kore-eda, c/Arata, Erika Oda, Susumu Terajima, Takashi Naito, Kyoko Kagawa. 118’.
El misterio de la vida después de la muerte fue abordado en muchos films, pero nunca con el vuelo poético que se permite aquí Kore-eda. En el catálogo del primer Bafici, que After Life ganó, se lee la siguiente reseña. “En alguna parte, en un paisaje absolutamente terrenal, y en el medio de un bosque perdido, hay un hogar donde trabajadores sociales ayudan a los recién muertos a sacarse sus memorias. El propósito es el de rastrear el último momento de plena felicidad en la vida que puedan llevar al cielo: ese momento se convertirá en su cielo personal. Aunque el propósito es difícil, es necesario, porque el que no lo logra es condenado al purgatorio”.
Sábado 6
24:00
Crímenes oscuros (Sakebi, Japón-2006) de Kiyoshi Kurosawa, c/Koji Kayusho, Manami Konishi, Tsuyoshi Ihara, Hiroyuki Hirayama, Ikuji Nakamura. 104’.
Comienza como un policial negro, donde Kôji Yakusho (actor favorito del director, aquí con impermeable y todo) investiga los crímenes de lo que parecería ser un asesino serial, pero luego muta en una rarísima película de fantasmas.
Especializado en el género, pero evitando todos sus clichés, el cine de Kyoshi Kurosawa (nacido en 1955, nada que ver con Akira), es difícil de definir. Si bien comparte con otros directores japoneses el talento para crear climas terroríficos de manera sutil, su cine es inclasificable y trasciende el mero intento de asustar, internándose en terrenos metafísicos. Texto de Fabio Manes.
ESTRENO
Los salvajes, de Alejandro Fadel
(Argentina, 2012)
Jueves y viernes a las 22:00
Como en un western, todo empieza con una fuga. Cinco adolescentes escapan violentamente de un instituto de menores del interior argentino. Deben peregrinar cien kilómetros a pie, atravesando las sierras, ante la promesa de un hogar donde continuar sus días. Llevan unas pocas provisiones y una pistola. Cazan animales para alimentarse, roban las casas que encuentran a su paso, consumen drogas, se bañan en un río, pelean, hacen el amor: un viaje progresivo hacia el corazón de la naturaleza que pronto se convierte en una fabula mística sobre el coraje y la gracia.
Ficha técnica
Guión y Dirección
Alejandro Fadel
Producción
Alejandro Fadel – Agustina Llambi Campbell
Producida con el apoyo financiero de
Hubert Bals Fund Fondo Metropolitano – Universidad del Cine
Elenco:
Leonel Arancibia, Roberto Cowal, Sofía Brito, Martín Cotar, César Roldán y la participación especial de Ricardo Soule
Fotografía y Cámara
Julián Apezteguía
Sonido
Santiago Fumagalli
Montaje
Andrés P. Estrada – Delfina Castagnino
Productores Asociados
Shirley Hinojosa - Alejandro A. Fadel - Fernando Brom
Producción Ejecutiva
Agustina Llambí Cambpell
Música
Sergio Chotsourian y Santiago Chotsourian
Jefatura de Producción
Martín Feldman
Asistencia de Producción
Ezequiel Pierri
Arte
Laura Caliguri
Asistencia de Dirección y Casting
Julia Olivares – Mariana Mitre
Vestuario
Maia Bietti Jenny Prada
Ventas Internacionales
Memento Film International / Artscope
Argentina, 2012 – 119 minutos
Palabras del director
“Los salvajes narra dos viajes: el de un grupo de personajes en busca de un hogar y el de un equipo en busca de una película. El resultado es el encuentro de estas dos fuerzas: una experiencia de rodaje artesanal, casi documental, junto a un relato claramente ficcional, mitológico. Jóvenes institucionalizados, en situación de encierro, frente a un paisaje abierto, inaprensible, prehistórico. Quizás en el espacio hueco entre estas dos ideas formales esté la esencia de este relato. Lo verdadero, aquello a lo que todo filme debe aspirar.”
Alejandro Fadel
“Lo que más nos impacta de Los Salvajes es su fuerza estética, su constante búsqueda de belleza, nunca en vano (una belleza que Fadel caza en los rostros de los adolescentes fugitivos, en el paisaje de un mundo apaleado por el caos de su propia civilización, en la naturaleza animal que yace dormida en el corazón profundo de la humanidad). Algunos planos tocan lo sublime, conteniendo siempre su propia contradicción: la fragilidad y fuerza que constituyen el gran estilo de Fadel. Los Salvajes es un western bárbaro que parece recordarnos que nuestras sociedades actuales están destinadas a desaparecer… y eso nos da escalofríos”.
Fabien Gaffez, catálogo Semaine de la Critique, Cannes 2012
“Un debut inolvidable y fascinante.”
Stephen Dalton – The Hollywood Reporter
“El Festival de Cannes también proporciona el sabor raro del puro descubrimiento, el sentimiento de desconcierto proveniente de una especie de OVNI caído del cielo cinematográfico. Estas obras frágiles, como ninguna otra, proporcionan sensaciones que pueden marcarnos de manera más fuerte y duradera que ésta o aquélla Palma de Oro.” “El primer resplandor de la edición 2012 no tardó: se trata de una opera prima argentina titulada Los Salvajes. (…) Un film de pura puesta en escena, que sustituye al discurso y a la razón común por una fuerza expresiva y poética. Un film que reconcilia la serenidad y el horror, la violencia y la ternura, la humanidad y la bestialidad.”
Jacques Mandelbaum – Le Monde
“Los Salvajes de Fadel son víctimas de una eterna condena al exilio social, privados desde siempre de una contención, sin saber siquiera dónde buscar un espacio donde pudieran, por una vez, alimentar la idea de un futuro posible.”
Bruno Icher – Libération
“Un film muy bello, fuerte, brutal y pleno de gracia. Los Salvajes, es incontestablemente una revelación. Al igual que su autor, Alejandro Fadel.”
Jérôme Momcilovic-Chronicart.
“Momentos de sublime belleza están perforados por intensa violencia. Este es el debut más prometedor de La Semaine.”
Ryan Lattanzio – Indiewire.
“Los Salvajes impacta, conmueve y fascina. Una de esas experiencias que quedará en la retina y en la memoria durante mucho tiempo.”
Diego Battle – La Nación
“Los Salvajes es una criatura osada, diferente de lo que el cine argentino suele ofrecer.”
Diego Brodersen – Página/12.
“El BAFICI 2012 va a ser recordado, entre otras pocas cosas más, por la indómita (elusiva, inclasificable, polémica, huérfana) aparición de Los Salvajes. (...) Sabemos dónde están los caminos seguros y trazados, pero sólo intuimos dónde pueden estar los senderos arriesgados, con precipicios, dispuestos para los saltos mortales. Esta película llevó un poco más allá los límites conocidos por el cine reciente hecho por acá. Que no es asimilable a nada. Que es transparente en su rigurosidad y su dureza.”
Agustín Campero – El Amante.
“Compleja, épica y apasionante.”
Diego Papic – cinenacional.com
ESTRENO
Cornelia frente al espejo, de Daniel Rosenfeld
Sábados a las 20:00
Una joven mujer, Cornelia, llega a la antigua casona paterna para suicidarse. Pero es continuamente interrumpida, disuadida, por imprevistas apariciones: una misteriosa niña, un ladrón, un amante. ¿Es que el veneno ya hizo efecto? ¿O es que Cornelia cayó del otro lado del espejo?
Como en una trágica versión de la Alicia de Lewis Caroll, Cornelia avanza por un mundo extrañado, donde habitan la inocencia y la crueldad, el amor y lo siniestro. La película, basada en el cuento homónimo de Silvina Ocampo, es una inusual apuesta cinematográfico-literaria: sus diálogos pertenecen íntegramente al cuento original.
En Cornelia no hay certezas de identidad, sino la certeza de ser habitada por otras voces. Es con esas voces, reflejos, que ella reinventa una y otra vez su propia historia.
FICHA TÉCNICA
Dirección
Daniel Rosenfeld
Guión adaptado
Eugenia Capizzano y Daniel Rosenfeld
Diálogos
Silvina Ocampo
Dirección de Fotografía
Matías Mesa
Música
Jorge Arriagada
Diseño de sonido
Gaspar Scheuer
Sonido directo
Nicolás Tabárez
Montaje
Lorenzo Bombicci
Arte
Daniel Rosenfeld
Vestuario
Abril Bellati y Fátima Zorraquin
Asistente de dirección
Alejo Santos, Roberto Ceuninck, Fernando Alcalde
Elenco
Eugenia Capizzano, Leonardo Sbaraglia, Rafael Spregelburd, Eugenia Alonso, Estefanía Conejo
Producida por
Daniel Rosenfeld Films con argentinacine, INCAA, Hubert Bals Fund
Jefe de producción
Federico Prado
Co-productor ejecutivo
Javier Leoz
Argentina, 2012 – Duración 103 minutos
De Jorge Luis Borges sobre Silvina Ocampo
“Es curioso que sea yo, cuya manera de narrar consiste en retener sólo elementos esenciales, quien presente (...) una obra tan sabia, tan irisada, tan compleja y mesurada a la vez (...) En los relatos de Silvina Ocampo hay un rasgo que aún no he llegado a comprender: es su extraño amor por cierta crueldad inocente u oblicua; atribuyo ese rasgo al interés, al interés asombrado que el mal inspira a un alma noble.” (Prefacio a la antología Faits divers de la Terre et du Ciel, Paris, 1974. Traducción de Enrique Pezzoni.)
“Silvina Ocampo nos propone una realidad en la que conviven lo quimérico y lo casero, la crueldad minuciosa de los niños y la recatada ternura, la hamaca paraguaya de una quinta y la mitología. (...) Le importan los colores, los matices, las formas, lo convexo, lo cóncavo, los metales, lo áspero, lo pulido, lo opaco, lo traslúcido, las piedras, las plantas, los animales, el sabor peculiar de cada hora y de cada estación, la música, la no menos misteriosa poesía y el peso de las almas de que habla Víctor Hugo. De las palabras que podrían definirla, la más precisa, creo, es genial.”
CRÍTICAS
CAHIERS DU CINÉMA (Francia)
"Cornelia frente al espejo abre salidas inesperadas hacia lo imaginario (...) Adaptación de una novela de Silvina Ocampo (la historia de una joven mujer decidida a poner fin a sus días en la gran mansión familiar y que se enfrenta a extraños visitantes, a su vez espectros del pasado y proyecciones de su personalidad), la película exhala, gracias a su sentido mínimo de la ilusión y a la frescura de su interpretación, un verdadero encanto a lo Lewis Carroll, esquivando las trampas del romanticismo mórbido.”
Joachim Lepastier, La jungle de Rotterdam
IL MANIFESTO (Italia)
"IRREVERENTE POESÍA. Inspiración literaria, un gusto por la puesta en escena abstracta y exasperada. La tendencia más libre en esta edición del Festival de Rotterdam en títulos como Cornelia frente al espejo de Daniel Rosenfeld.
(...) Cornelia frente al espejo tiene inspiración literaria, el libro de Silvina Ocampo Cornelia frente al espejo, fue adaptado por Eugenia Capizzano, que es su protagonista, y por el director Daniel Rosenfeld (La Quimera de los héroes –Festival de Venecia–). Y esta complicidad es indispensable, es aún más la materia misma del film, cuyo flujo de sonoridad contemporánea –la música es de Jorge Arriagada, compositor también de Raúl Ruiz– se concentra en las palabras del texto. ¿Cómo pronunciarlas, y cómo convertirlas en imagen y fisicidad de actor dentro de la pantalla, o sea en un movimiento que no es el mismo que el de una lectura en el escenario? Eugenia Capizzano casi danza con las palabras, un ballet mecánico de surrealismo. Ella es Cornelia, la joven que quiere suicidarse. Llegó a la vieja casa de su infancia para hacerlo pero es continuamente detenida por súbitas apariciones: una niña, un ladrón,
un amante… ¿Ustedes son fantasmas?, les pregunta Cornelia, y tal vez el veneno ya hizo efecto. O tal vez cayó al otro lado del espejo, dentro de ese infinito encuadre de lo posible que es el cine."
Cristina Piccino, Irriverente poesia
DAILY TIGER (Holanda)
“Cornelia frente al espejo es una atmosférica adaptación de una gema literaria.
Filmada exclusivamente en una casona de Buenos Aires, la película de Daniel Rosenfeld es un inquietante y cautivador drama sobre Cornelia, una joven y rica mujer que llega allí decidida a suicidarse (Eugenia Capizzano en una conmovedora interpretación de notable aplomo).
Es un film admirable. Sucesivos encuentros que la melancólica Cornelia mantiene con tres diferentes extraños que la sorprenden en la casa: la película tiene una elegancia clásica y atrapa en un encantamiento de ensueño.”
Edward Lawrenson, Through the looking glass
Fundación Hubert Bals (Holanda)
“La "flor y nata" del talento actoral argentino colaboró en esta ficción debut del premiado director de documentales Daniel Rosenfeld. Elegante y misterioso drama sobre una joven y bella mujer que quiere suicidarse en su casa paterna y recibe visitantes que intentarán que cambie de idea.
Con Cornelia frente al espejo, Daniel Rosenfeld hace una meticulosa, elegante y opresiva película literaria. La historia de Silvina Ocampo, en la cual se basa la película, es acerca de los espejos y de la posibilidad de que no tengamos una sola personalidad sino varias. En este sentido, mirarse en el espejo podría ser una metáfora del proceso creativo. Al mismo tiempo, esta contemplativa y misteriosa película, narra las últimas horas trágicas, irónicas y románticas de la vida de Cornelia.”
Pauline Kleijer
Graciela Speranza:
“Hasta Cornelia frente al espejo de Daniel Rosenfeld, cualquier intento de llevar al cine la perturbadora extrañeza de Silvina Ocampo parecía condenado al fracaso. Decía Bioy que la literatura de Silvina no se parece a nada, como si ningún otro escritor la hubiese influido y solo se hubiese influido a sí misma. Hay ahí quizás una clave de la secreta fidelidad de Rosenfeld: su Cornelia no se parece a nada, no tiene género ni tiempo precisos, no es realista ni fantástica, y sin embargo ha conseguido darle una claridad asombrosa a los devaneos de la imaginación y el sinsentido de las pasiones. El prodigio le debe mucho a la exquisita atención al detalle, que hace brillar lo real en todo su esplendor. También a Eugenia Capizzano, que no sólo es Cornelia como si el personaje de Silvina hubiese estado esperándola, sino que persuade al resto de los actores y encanta la casa toda. El efecto es perdurable. Se sale de la película como de uno de esos sueños absurdos pero abrumadoramente reales, que nos habitan durante días porque guardan la clave de algo esencial.”
Marcelo Cohen:
“El estado de transporte que suscita Cornelia frente al espejo es a la vez una apertura completa de la atención. Rosenfeld lo consigue diluyendo la agitación del tiempo mental en un espacio tan diáfano, tan matizado, que todo lo mucho y sinuoso que dicen los personajes (los fabulosos actores) se recibe con una claridad inusitada. No es sólo que uno entienda esa tragicomedia del disparate amoroso, el malentendido de las fantasías y la muerte; mientras la película dura, uno es la película; y en buena medida después también.”
CONTINÚA
Papirosen de Gastón Solnicki
Viernes a las 20:00
“Moldeando cerca de 200 horas de material grabado durante más de una década en un retrato de familia a la vez épico e íntimo, el joven Solnicki eleva el home movie al nivel de un arte. Cuatro generaciones de su clan son capturadas en vacaciones y reuniones familiares, así como en pequeños momentos cotidianos. Excavando en los archivos familiares e incorporando las vivencias de su abuela Pola, sobreviviente del holocausto, Solnicki elabora una afectiva y profunda meditación sobre el significado de la familia y el peso de la historia.”
Denis Lim, Museum of the moving image
Hans Hurch, director de la Viennale:
“Una película exorcista.”
Gerwin Tamsma, Internacional Film Festival Rotterdam:
“Un film sorprendentemente sincero y conmovedor, que gracias a la osadía del montaje y a la hermosa, a veces, impresionista fotografía, trasciende el género del documental autobiográfico.”
Mark Peranson, Cinema Scope:
“El último uso del material de archivo en la película es un verdadero hallazgo, y puede ser incluso un ejemplo del cine en su estado puro. Realmente admito que pese a que odie los Bar Mitzvahs, la escena me eriza la piel cada vez que la veo. La más fabulosa secuencia de baile de Bar Mitzvah jamás vista. “
Jay Kuehner, Cinema Scope:
“Papirosen despliega cuatro generaciones de historia centrándose en puntos inesperados. Una obra única de historiografía que se sumerge al mismo tiempo en las sombras del pasado y en las viscisitudes del presente. Es menos un homenaje que una elegía ambivalente desprovista de sentimentalismos donde la silenciosa devastación merodea cada detalle.”
Robert Koehler, Film Comment:
“Un excelente videologue al desnudo de su familia.”
Horacio Bernades, Página/12:
“En lugar de seguir un hilo, la deslumbrante película de Solnicki prefiere dispersarse, ir hacia todos los confines en los que el cine o la narración le brinden refugio.”
Quintín, La lectora provisoria:
“Papirosen es tal vez el mejor retrato de familia del cine argentino: una película única basada en un material infinito, procesado por un montaje obsesivo e implacable.”
Roger Alan Koza, Ojos bien abiertos:
“Esta notable reinvención de la home-movie propone una dialéctica misteriosa y sensible entre la gran historia y la vida cotidiana, y sugiere así un punto de intersección difuso entre la intimidad y los acontecimientos que determinan el devenir de los pueblos.”
Ficha técnica
Director
Gastón Solnicki
Editora
Andrea Kleinman
Productor Ejecutivo
Pablo Chernov
Diseño de Sonido
Jason Candler
Compañía Productora
Filmy Wiktora
Elenco
Pola Winicki, Victor Solnicki, Mirta Najdorf, Yanina Solnicki, Alan Solnicki, Mateo Tarlowski, Lara Tarlowski, Sebastián Tarlowski.
Argentina, 2011. 74'
Continúa
El etnógrafo, de Ulises Rosell
Domingos a las 18:00
John Palmer arribó al Chaco Salteño hace mas de 30 años con un doctorado de Oxford, con el objetivo estudiar la cultura wichí. Lentamente su vida se ha ido involucrando en su objeto de estudio y hoy convive con Tojueia, una joven mujer aborigen con la que tiene 5 hijos que balbucean inglés, wichi y español. Como asesor legal de la comunidad Lapacho Mocho, ahora como parte de la familia, John intenta obtener la libertad de Qatú, un miembro de la comunidad que hace cinco años se encuentra en prisión acusado de abusar de la hija de su mujer.
FICHA TECNICA
Director: Ulises Rosell
Productor: Pablo Rey
Guión: Ulises Rosell
Director de Fotografía:
Guido De Paula
Editor: Andres Tambornino
Diseñador de Sonido:
Francisco Seoane
Elenco: John Palmer, Tojueia, Flia Palmer, Roque Miranda, Qa’tu, Estela, Teodora.
Español. Wichí, Inglés
Subtítulos: inglés, francés, italiano, español
Argentina, 2012 – Duración 89´
Continúa
Ostende, de Laura Citarella
Sábados a las 22:00
Una mujer gana un concurso. El premio: Cuatro días de vacaciones en un hotel en Ostende, una ciudad balnearia fuera de temporada. A partir de allí, se le abren dos caminos. Por un lado, el del ocio: Se deja llevar por los rituales del descanso, la playa, las pequeñas rutinas, la suave e imperceptible felicidad. Por el otro, el de la intriga: enigmas sutiles, situaciones levemente inquietantes, anomalías mínimas, extrañas narraciones que parecen dispuestas a surgir en el momento menos pensado. Entre estos dos universos, entre estas dos maneras de pensar el cine, oscila, como un péndulo, este pequeño film.
“Ostende será recordada por nosotros como la película que terminó de poner en práctica una forma de filmar completamente libre. Ilimitadamente libre. Fue la que abrió dentro de nuestra estructura una nueva posibilidad: hacer convivir a nuestras películas chicas con nuestras películas grandes. Básicamente, fue la que terminó de probar que podíamos filmar de manera incesante, que se podía vivir filmando. Que filmar se puede volver un hecho cotidiano, casi un hábito. Existimos filmando. Las películas existen gracias a nosotros. Vivir, existir, la vida de las películas, la mía, la nuestra. Es todo lo mismo.”
Laura Citarella – agosto 2012
CV
Laura Citarella. Nació en La Plata en 1981. Forma parte de la productora El Pampero Cine junto con Mariano Llinás, Alejo Moguillansky y Agustín Mendilaharzu. En 2006 ganó el concurso Historias Breves 5 y en 2008 filmó el corto Tres Juntos. Produjo, entre otros films, Historias Extraordinarias y Castro. También es música, y en 2009 editó su álbum debut, Laura Citarella. Ostende es su primer Largometraje.
Ostende participó de los siguientes festivales: BAFICI 2011 – SANFIC 2011 – LFF 2011 – Viennale 2011 – Rome Film Festival 2011 – Toulouse 2012 – Munich 2012 – Festival de Cine de Villa de Leyva 2011
Ficha técnica
El Pampero Cine – Universidad del Cine
Dirección: Laura Citarella
Producción: Mariano Llinás
Imágenes: Agustín Mendilaharzu
Montaje: Alejo Moguillansky
Sonido: Rodrigo Sánchez Mariño
Música: Gabiel Chwojnik
Elenco: Laura Paredes, Julián Tello, Santiago Gobernori, Débora Dejtiar, Julio Citarella, Fernanda Alarcón, Agustina Liendo
HD PAL – 16.9 - Color
Argentina, 2011 – Duración: 83
Continúa
Mensajero, de Martín Solá
Domingos a las 20:00
Entre montañas y planicies, el trabajo y la religión se enlazan hasta confundirse entre sí y atravesar toda la densidad del paisaje del norte argentino a través de una mirada perpleja, impávida, donde lo espiritual y lo físico tienden a ponerse en fuga en cada encuadre. El punto de partida narrativo es Rodrigo, el mensajero de una comunidad puneña que decide abandonar su puesto para ir a trabajar en una salina. Su viaje se funde con la peregrinación que organizan los monjes locales, y ahí es cuando el estilo documental suelta amarras de los recursos más convencionales y se pone a navegar entre lo hipnótico y la alucinación de una serie de parajes en blanco y negro que se convierten en estampas animadas y aplastantes al mismo tiempo. Con una búsqueda expresiva sin concesiones a ninguna sensiblería ni al apunte sociológico simplificado, Mensajero se abisma en la creación de un clima propio para trazar un periplo áspero y sedado por una existencia precaria y magnánima.
Diego Trerotola
Espejos y espejismos entrelazan el desierto y salina. Entre la fe y la esperanza de una vida mejor, entre el tiempo y el silencio, entre el desarraigo y la soledad, Rodrigo, un mensajero en bicicleta de un pequeño pueblo de la puna, en el Noroeste argentino, uno de los sitios más despoblados del planeta, dejará su espacio para tentar suerte en un trabajo aparentemente más redituable: paleando sal en una salina cercana.
Con un gris plomizo, que se convierte casi en una metáfora del alma humana en esas desérticas zonas, la película de Solá, sigue el itinerario del mensajero hasta el momento en que se pierden las coordenadas espacio- temporales. Allí es cuando el tiempo y el espacio se dilatarán en un viaje que ahora es eterno, incontenible. El paisaje se torna líquido, fluye a través de los kilómetros, trepa por las laderas estériles de las montañas, se mete dentro de las cabañas destartaladas donde moran las almas solitarias, se aglutina en el alma de los integrantes de una procesión religiosa, y luego continúa su devenir brumoso e infinito.
“Mensajero” establece una tensión entre la ficción más ascética y el documental de observación más contemplativo, entre la transmisión de un estado de ánimo y un informe “objetivo” acerca de la situación de desarraigo en que se encuentran los trabajadores más postergados en ese confín olvidado del planeta. Ricardo Parodi
Ficha técnica
Guión y dirección
Martín Solá
Producción
996films SRL
Producción Ejecutiva
Mario Durrieu, Walter Tiepelmann
Sonido
(Sonometraje) Jonathan Darch, Jordi Juncadella Sarli
Sonido directo
Omar Mustafá.
Director de Fotografía
Gustavo Schiaffino.
Operador de cámara
Martín Solá y Gustavo Schiaffino.
Montaje
Martín Solá y Sergio Subero.
Post Producción de imagen
(InsomniaFilms) Alejandro Nantón, Gustavo
Schiaffino, Alejandro Nakano.
Una producción de 996films, con la participación de IMPOSIBLE y WELTFILM
El film se realizó con el apoyo del OBSERVATORIO, Escuela de Cine Documental
Argentina, 2011 – duración 85
MALBA Cine | octubre 2012